À PROPOS DE L'OEUVRE: Nature morte avec fleurs, coupe dorée, fruit secs, gâteaux, petits pains, verre de vin et pot en étain
La composition de ce tableau équilibre soigneusement deux principes. Les objets apparaissent avec désinvolture posés sur la table dans un ordre apparemment aléatoire. Le but de l’artiste est de rendre la scène réaliste. Simultanément, le peintre s’est efforcé de fournir une vue claire et frontale de tout ce qui est affiché. Cette combinaison paradoxale est l’héritière d’artistes de la fin du XVIe siècle tels que Joris Hoefnagel (1542-1601), qui ont créé des images hybrides où les objectifs didactiques des illustrations scientifiques ont été mélangés à une approche plus esthétique. Les fleurs de cette peinture sont un autre rappel des liens entre les natures mortes et les premières illustrations scientifiques. La jonquille ou le narcisse au sommet du bouquet de cette image est similaire à l’une des fleurs d’une gravure d’Adriaen Collaert de 1580 ; Peeters pourrait bien avoir basé sa fleur sur cette image.
Sur le gobelet doré et le flacon en étain, tous deux similaires aux vases d’autres œuvres de Peeters, l’artiste a peint son autoportrait – trois fois dans le gobelet et quatre fois sur la cruche en étain. L’abondance de signatures et d’autoportraits reflétés dans les peintures de Peeters est une forme d’affirmation, peut-être expliquée parce qu’elle était une femme dans une profession dominée par les hommes. En se peignant elle-même, elle met aussi l’accent sur l’illusionnisme de la peinture ; nous avons le sentiment que nous la voyons réellement pendant qu’elle peint.
Outre les autoportraits, les reflets de la peinture étaient un défi pour les artistes qui faisait partie de la tradition artistique et était enregistré dans la littérature. Les surfaces brillantes et réfléchissantes que nous voyons dans cette peinture montrent que Peeters a accepté ce défi avec enthousiasme. Le verre cannelé façon de Venise à l’arrière-plan est d’un type qui était fabriqué à Anvers par les souffleurs de verre italiens à l’époque. Le vin rouge dans le verre était une importation, probablement de France, d’Italie ou d’Espagne.
Sur cette image, nous voyons des raisins secs, des amandes et des bonbons au sucre, dans un grand récipient de bianchi di Faenza, un type de faïence fabriqué à Faenza à la fin du XVIe et au début du XVIIe siècle. Le bretzel à moitié mangé, comme les autoportraits miniatures, suggère que quelqu’un a été à cette table, contribuant à rendre réelle l’illusion représentée dans le tableau. On dit parfois que cette nature morte a un thème de vanité implicite, le vin, les fleurs et les autoportraits faisant allusion à la nature fragile de la vie.
À PROPOS DE L'ARTISTE : CLARA PEETERS
Clara Peeters (active 1607-1621) était une peintre flamande de natures mortes d’Anvers qui a travaillé à la fois aux Pays-Bas espagnols et en République néerlandaise. Peeters est l’artiste flamande la plus connue de cette époque et l’une des rares femmes artistes à travailler professionnellement dans l’Europe du XVIIe siècle, malgré les restrictions imposées à l’accès des femmes à la formation artistique et à l’appartenance à des guildes.
La première peinture connue de Peeters, signée et datée de 1607, reflète l’habileté technique et compositionnelle d’un artiste qualifié. Son style suggère une formation à Anvers, un des premiers centres de spécialisation en nature morte. Pourtant, on sait très peu de choses sur sa vie et sa formation de peintre.
Peeters s’est spécialisé dans les natures mortes avec de la nourriture et était important parmi les artistes qui ont façonné les traditions des ontbijtjes, des « pièces de petit-déjeuner », des scènes de nourriture et de récipients simples, et des banketjes, des « pièces de banquet » avec des tasses et des récipients coûteux en précieux les métaux.
Bien qu’aucun dossier de mécènes ne soit disponible, il semble que Peeters était une artiste à succès. De nombreux aspects de ses peintures suggèrent que ses peintures auraient été créées pour de riches collectionneurs, car elles sont particulièrement grandes et représentent des objets de luxe de l’époque. Quatre des premières œuvres de Peeter sont venues au Prado de la collection royale espagnole, et l’une est répertoriée dans une collection de 1627, tandis qu’une autre est répertoriée dans un document d’un notaire en 1628.
Ses dates de naissance et de décès sont inconnues.
ABOUT THE ARTWORK:
STILL LIFE WITH FLOWERS, A SILVER-GILT GOBLET, DRIED FRUIT, SWEETMEATS, BREAD STICKS, WINE AND A PEWTER PITCHER
The composition of this painting carefully balances two principles. The objects appear casually laid on the table in apparently random order. The goal of the artist is to make the scene look lifelike. Simultaneously, the painter has labored to provide a clear and frontal view of all that is displayed. This paradoxical combination is heir to late sixteenth-century artists such as Joris Hoefnagel (1542–1601), who created hybrid images where the didactic goals of scientific illustrations were mixed with a more aesthetic approach. The flowers in this painting are another reminder of the connections of still life paintings to early scientific illustrations. The daffodil or narcissus at the top of the bouquet in this picture is similar to one of the flowers in an engraving by Adriaen Collaert of the 1580; Peeters may well have based her flower on that image.
On the gilt goblet and the pewter flagon, both of which are similar to vessels in other works by Peeters, the artist painted her self-portrait – three times in the goblet and four on the pewter jug. The abundance of signatures and reflected self-portraits in paintings by Peeters is a form of assertion, perhaps explained because she was a woman in a profession dominated by men. By painting herself she also emphasises the illusionism of the painting; we have a sense that we actually see her as she paints.
Aside from the self-portraits, painting reflections was a challenge to artists that was part of artistic tradition and was recorded in the literature. The shiny, mirroring surfaces that we see in this painting demonstrate that Peeters enthusiastically accepted this challenge. The fluted façon de Venise glass in the background is of a type that was being made in Antwerp by Italian glassblowers at the time. The red wine in the glass was an import, probably from France, Italy or Spain.
In this picture we see raisins, together with almonds and sugar candy, in a large bianchi di Faenza vessel, a type of earthenware made in Faenza in the late sixteenth and early seventeenth centuries. The half-eaten pretzel, like the miniature self-portraits, suggests that someone has been at this table, contributing to make the illusion represented in the painting seem real. It is sometimes stated that this still life has an implicit vanitas theme, with the wine, flowers and self-portraits alluding to the fragile nature of life.
ABOUT THE ARTIST:
clara peeters
Clara Peeters (active 1607–1621) was a Flemish still-life painter from Antwerp who worked in both the Spanish Netherlands and Dutch Republic. Peeters is the best-known female Flemish artist of this era and one of the few women artists working professionally in seventeenth-century Europe, despite restrictions on women’s access to artistic training and membership in guilds.
Peeters’ first-known painting, signed and dated 1607, reflects the technical and compositional skill of a trained artist. Her style suggests training in Antwerp, an early center of still-life specialization. Yet, we know very little about her life and her training as painter.
Peeters specialized in still-life paintings with food and was prominent among the artists who shaped the traditions of the Netherlandish ontbijtjes, « breakfast pieces, » scenes of food and simple vessels, and banketjes, « banquet pieces » with expensive cups and vessels in precious metals.
Although no record of patrons is available, it appears Peeters was a successful artist. Many aspects of her paintings suggest that her paintings would have been created for wealthy collectors, as they are particularly large and depict luxury items of the era. Four of Peeter’s early works came to the Prado from the Spanish royal collection, and one is found listed in a collection from 1627, while another is listed in a document of a notary in 1628.
Her birth and her death’s dates are unknown.